Moonrise Kingdom: A faire tale!

Anderson crea un fregon cuento infantil con todos los elementos propios del género literario. En este reino la compañía palia la soledad incomprendida de la mente infantil retorcida  por el abandono y el desapego. Musicalizado por Alexandre Desplat y en ensamble actoral de antología. 

Entre varios pretenciosos que ostentan "entender" a Wes Anderson hay unos peores que otros. Aquellos que aseveran desmenuzar la complicada narrativa del autor que en cada entrega da un panoroma artístico-intelectual con referencias claras a la ola... blablabla.

No señores, no. Anderson es un excelente director, y mejor guionista. Moonrise Kingdom no es nada pretenciosa. No se mal viajen, ni le busquen tres pies al gato que tiene ocho. Anderson a creado un excelente cuento infantil. 

Sí, con todos los elementos propios de este género literario, Anderson hace en cine los que Andersen en la literatura. Dos niños incomprendidos en busca de aventuras, ávidos en el fondo de huir de un reino de letargo, soledad y desdeño a sus sueños que alimentan con cuentos fantásticos, ideas retorcidas y el cúmulo de conocimiento para sufrir más y defenderse mejor.

Los protagonistas son acechados por un lobo y un cazador no personificados esta vez en seres concretos, sino en facciones de adultos y niños que, en cada caso, ven en ellos una amenaza, un problema, o, quizás, una esperanza de redención. 

Los propios niños, además de estar embarcados en una aventura vital propia, son también catalizadores de cambios en las vidas de los demás. Y la forma en que eso se narra hace que esos pequeños fugitivos también remuevan algo dentro de nosotros.

Bruce Willis hace mofa de su eterno personaje de policía bueno. Porque esta vez es realmente bueno! Ironía de la vida que la obra maestra de un director indie, tenga como estelar un big star del mainstream hollywoodense, y lo mejor, quizá sea la mejor actuación de Willis en lo que queda de su carrera.

Ed Norton otra vez interpreta a un suejto con algun pedo mental, esta vez el de un patético lider scout aferrado al código del explorador. 

Personajes que el universo de Anderson se normalizan con esa sutileza de excentricidad que los vuelve peligrosamente atractivos y sobre todo memorables.

Ese el Anderson que ilumina, encuadra y fotografía con tal sutileza que parece un extravagante sueño vívido.

A VER SIN FALTA!

Get the Gringo

UNA CIUDAD PENITENCIARIA, UN CAPO, UN GRINGO, 2 MILLONES DE DÓLARES Y UN HÍGADO EN DISCORDIA. 


HAY EJERCICIOS CINEMATOGRÁFICOS QUE BRILLAN POR LO INVEROSIMIL DE SU GUIÓN... HAY OTROS QUE SENCILLAMENTE ROMPEN ESA BARRERA Y SE VALEN DE LA REALIDAD CULERA DEL ESPECTADOR Y SU ENTORNO PARA CREAR UNA OBRA EN LA QUE NO PODEMOS DESCALIFICAR EL TRATAMIENTO PORQUE SERÍA TAPAR EL SOL CON UN DEDO, O HACERSE PENDEJO. 


DE MANERA JOCOSA Y CON LA FÓRMULA HOLLYWOODENSE, GIBSON ENTREGA UNA CINTA CONSUMIBLE, BIEN REALIZADA, CON UN MUY BUEN GUIÓN, QUE SE DISFRUTA PESE A LO INCÓMODO Y CRUEL DE LA REALIDAD NACIONAL DE LA QUE SE VALE PARA ENMARCAR LA HISTORIA. LA NETA VALE LA PENA.

Black Swan

Joyas de la Pirateca Ncional: La Piel que Habito

LA PIEL QUE HABITO. DIR. PEDRO ALMODÓVAR. ESP. 2011

Y que me duermo con la nueva de Almorobar LA PIEL QUE HABITO. 


La verdad toda la pelí la resume Marisa Paredes en un diálogo, después de esa escena se pueden dormir a gusto, todo es predecible. Un psico-thriller mal dirigido, sin la tensión necesaria del género, muy pretencioso, que termina siendo un dramita barato de TV Española sobre un tipo trasgénero por fuerza. 


Almodóvar no sólo desperdicia  las subtramas del texto en el que se basa la cinta (la novela Tarántula -de Thierry Jonquet-), las minimiza a meras escenas anecdotarias con las que "intenta" crear el referente argumentativo del contexto desquiciado físico, psicológico y emocional de los personajes que no ternminan por cuajar. No gastaré más letras en esto. POR-QUE-RÍA. 

Joyas de la Pirateca Nacional: NO MORE HAPPY ENDINGS

Melancholia, la nueva obra del director Lars Von Trier, es un film poderoso y atípico, que rompe con ciertos estereotipos de la ciencia-ficción y el drama dándole una nueva perspectiva al "cine catástrofe". 

A Trier se le puede calificar de todo: desde misógino ( es conocido que maltrata a sus actrices en el set, sino preguntele a Kidman y Björk quienes terminaron odiándolo públicamente) hasta ególatra (como parte de la campaña de Melancholia, Lars lanzó un teaser poster de él mismo), pero lo que no se puede negar es que es un genio; un gran contador de historias, un excelente guionista y sin duda un perfecto director de actores, tan sólo sus actrices, salvo Kidman, se han llevado la Palma de Oro a mejor actriz en Cannes. 

La última fue la antes deshabrida Kirsten Dunst por esta cinta (sí, la fea Mary Jane de SpiderMan, que de verdad, da una cátedra de actuación, la mejor que tendrá en toda su carrera)

La historia de Melancholia gira alrededor de un planeta homónimo, que choca contra la Tierra destruyéndola al inicio del film. Luego de revelarnos ese elemento crucial de la trama para que eliminemos cualquier posibilidad de supervivencia de los personajes, el film nos lleva a la boda de Justine (Kirsten Dunst) y Tom (Alexander Sarsgaard) cuya relación comienza a deteriorarse a medida que Melancholia se acerca a la Tierra.

Melancholia es una película sobre el fin del mundo pero también una exploración de las relaciones humanas que se desarrollan paralelamente a los últimos días de la vida sobre la faz de la Tierra.

No es un film simple ni accesible pero sus actuaciones, cinematografía e historia combinados con la poderosa música de Wagner terminan creando una obra sumamente especial, intensa y que probablemente será más que disfrutable aunque sea profundamente depresiva.

El planeta Melancholia, como Justine (personaje de Dunst) es una amenaza real, un peligro hermosamente destructivo, caótico y apocalítico. En tanto, Claire (Charlotte Gainsbourg) es el equivalente a la tierra: desespera por preservar la vida, llena de esperanza, de luz, de candidez. Una mierda. 

En Melancholia no hay happy endings, porque como dice una línea de Dunst "Life on earth is evil", so, no le corresponde un final con vino, abrazos, sonrisas o perdones . El final de la tierra se antoja, depresivo, culposo, inconcluso...melancólico. A VER SIN FALTA.

 PD: Echénle un ojo al prólogo, a la fotografía y la dirección de arte... ufff!! 

The Artist!

Haciendo remembranza del cine clásico de Hollywood, llega esta movie que lo más interesante es que narra en su técnica la transición del cien mudo al sonoro.
A verla.. (si llega)

Rise Caesar, Rise!

Cuando escuché sobre una precuela del Planeta de los Simios, no evité recordar el gran fracaso que fue la versión chafa de Burton.  Después del último intento que sólo provocó la ira de los fanáticos, las posibilidades de una nueva cinta fueron desechadas junto con el ridículo final alternativo del chango con cabeza de Abraham Lincoln.

Las esperanzas resurgen con esta versión que supera las expectativas a base de un excelente trabajo que hace la producción por hacer de los simios sean auténticos personajes capaces de iniciar una revolución. No muy afortunados resulta los actores humanos que si en algo acertaron es en justificar nuestra decadencia como la especie dominante del mundo, pero no es del todo su culpa, si no del libreto que nada más es un conjunto de justificaciones para lograr la gran rebelión, no existe ningún dialogo que sobresalga , o algún dilema ético y moral que implica desafiar a la naturaleza, aunque se trata de suplir con una breve advertencia por parte de Freida Pinto que de nada sirve y resulta ser como un zumbido de mosca fácilmente ignorado.

Existen tres elementos que sobresalen en lo que pudo haber sido un desastre: la compañia encargada de los efectos visuales WETA, la dirección de Rupert Wyatt y el talento de Andy Serkis.

Sin duda que la compañia de George Lucas a sido superada por el equipo de neozelandeses que nos ha sorprendido de nuevo no sólo con amontonar pixeles, si no con verdaderos personajes capaces de transmitir sus alegrías y miedos. En lo que otros han fallado, aquí a sido un acierto: sabía quienes eran los héroes, las víctimas y los villanos; a cada uno de los monos se les ha dado características que nos permitan identificarlos, claro que no es muy difícil distinguir entre un orangután y un gorila, pero sus motivaciones si lo fueron y son sorprendentes al momento de la batalla por la libertad. No todo es perfecto, llegan a existir momentos, en especial con las escenas de acción que aún no logran convencer pero comparado con todo lo demás que puede pasar como trabajo novato en alguna laptop, creanme que estos efectos visuales son de lo mejor que hay que no sea por James Cameron para Avatar.

La dirección de Rupert Wyatt se resiste a ofrecernos las mismas tomas y momentos artificiales del montón, para contenerse durante la mayoría de la cinta hasta su inevitable desenlace que resulta ser más emocionante que cualquier aglomerado de explosiones que hemos visto este verano. Hacia tiempo que no me sorprendía tanto las escenas de acción y eso se debe a que te importa lo que les sucede a los primates.

La estrella principal es el chimpancé llamado César, interpretado por Andy Serkis, quienes ustedes recordaran por darle vida a Golum. Es sorprendente lo penetrante que resulta el lenguaje visual y al mismo tiempo conmovedor como se desarrolla su destino de experimento a llegar ser líder de una revolución. No se que haya hecho Serkis, lo cierto es que te llegas a olvidar que es una creación digital. A VER SIN FALTA!

Super (MEGA) 8

SUPER 8. DIR: J.J. ABRAMS. USA/2011

Es el verano de 1979 en un pequeño pueblo de Ohio. Un grupo de adolescentes filma una película amateur de zombies en una estación de tren. A mitad del ensayo previo al rodaje, el tren se aproxima. Es la mejor oportunidad que los chicos tendrán para darle valores de producción a la escena. Corre cámara. El tren se descarrila en un misterioso accidente y ellos son los únicos testigos. En los días siguientes, algo cambia en el pueblo. Una criatura anda suelta, los perros desaparecen, las personas desaparecen, el ejército aparece y la respuesta podría encontrarse en la película de ocho milímetros que usaron en la escena del tren.

Es una lástima que gran parte de la discusión en torno a Super 8 consista en señalarla como un tributo a Steven Spielberg.

Es evidente; la última cinta de J.J. Abrams es una colaboración con Spielberg. Ambos directores se conocen desde los ochenta y el que Abrams evoque algo del autor de E.T. no es mero ardid. Por encima de Spielberg, Super 8 es una declaración de amor a un espíritu de hacer cine completamente extinto.

Además de la presente simbología de Spielberg (con los chicos, las bicicletas y el score de Michael Giacchino a la John Williams), lo que realmente vale la pena observar en el estilo de Abrams son dos aspectos descontinuados en la producción en serie del cine veraniego-comercial: su delicada emotividad y su virtud narrativa.

Super 8 abre con una lección de narrativa de veinticuatro kilates: Una fábrica en la que se actualiza un anuncio de seguridad que cuenta los días transcurridos desde el último accidente. Un empleado cambia la cifra de 748 a 1. El último y más reciente accidente es el que le quitó la vida la madre Joe Lamb, protagonista de la historia. Una tragedia comunicada en un elocuente matiz.

El luto de Joe (un encantador Joel Courtney) y la relación con sus amigos del crew de filmación irán conectándose con el ente que amenaza al pueblo hasta mostrarnos que algo tienen en común.

Por mucho que esta cinta me conquistó, su imperfección es notable como una cicatriz. El mayor y único error está en el guión: la trama de los chicos es simplemente preciosa, demasiado bien contada para servir a una “monster movie” y su elenco de jóvenes actores es especial, rebasa el perfil de la pandilla que huye despavorida de una criatura.

Salvo Elle Fanning (quien aquí terminará por enamorar a los que aún no sabían por qué es la “it girl”), todos fueron audicionados muy lejos de las capitales de niños actores y su “virginidad hollywoodezca” da un toque único. Joe Lamb y sus amigos no son una subtrama. Sus vidas y los destinos a los que serán llamados son una película que quisiéramos ver completa.

Cada corte al relato del monstruo acechante se siente drástico, como un mash up de dos guiones diferentes. Ese combo de sci-fi y drama fue mejor resuelto por Abrams en Lost con el recurso del flashback. Aquella transición del pasado al presente hacía más llevadera la mezcla de géneros.

Es comprensible porqué Super 8 tuvo un éxito discreto. En ciertos niveles, está desconectada del cine de esta época. Su marketing nunca fue tan agresivo y en momentos clave de su historia suceden cosas que sólo ocurrirían en una cinta de antaño, cuando los héroes no eran irónicos o precoces.

Noten cuando Joel rescata a Alice y el diálogo que asumen sus cuerpos es un fuerte abrazo y no un beso. O cómo Joel le explica a Alice su técnica para lograr cierta textura cuando hace modelos de trenes. Esto es cine old fashion y, como tal, no tendrá resonancia en nuestra era.

Como premisa Super 8 puede recordar a otras cintas; la ejecución y sensibilidad de Abrams no tiene par. Es uno de los mejores narradores del cine actual. 

El final, deshabrido si quieren, es decir a la Spielberg es la cuota de J.J. Abrams tuvo que pagar por el financiamiento.

Oscareable? Deberia.

Midnight In Paris

MIDNIGHT IN PARIS. DIR. WOODY ALLEN. USA/FRANCIA. 2011

Un guionista estadounidense de éxito y aspirante a novelista que, durante unas aburridas vacaciones en París, cruza cada noche el tiempo para encontrarse en los años veinte del siglo pasado con sus ídolos literarios y artísticos, escuchar sus consejos, irse de farra e incluso enamorarse.

La clave del asunto surge más o menos a la media hora de metraje, cuando en un brote de genio Allen nos introduce en un túnel tan cómico como trascendente. Un recurso semejante a las entradas y salidas de la pantalla en La rosa púrpura del Cairo (1985), cuya efectividad en Midnight in Paris es casi mayor al no ir acompañado de la menor grandilocuencia de estilo, tanto formal como narrativo.

En los últimos años, el cine de Woody Allen puede que se haya hecho más deshilvanado, pero, a cambio, en cierto sentido, se ha hecho más joven, más inconsciente, más sencillo (a veces también simple, por qué no asumirlo). Y buena parte de la gracia de los saltos temporales es que surgen sin el menor boato y acaban con la mayor naturalidad: con unas elipsis que, de puro discretas, resultan sencillamente brillantes.

Expuesta la idea, Allen tira del hilo desde una triple vertiente. Y las tres resultan extraordinarias. La primera, la cómica, en la que el autor neoyorquino deja para la posteridad un puñado de frases sublimes y en la que destacan las desternillantes presencias de Hemingway ("¿alguien quiere darse de golpes conmigo?") y Dalí ("¡ri-no-ce-ron-tes!"). 

La segunda, la romántica, donde de nuevo la espontaneidad de un paseo bajo la lluvia y lo aún por experimentar enlazan con una visión del amor casi rohmeriana, muy de la nouvelle vague, precisamente donde da la impresión de querer dirigirse Allen con su actual concepción del acto de hacer cine. Y tercera, la relevancia de su discurso sobre la nostalgia como auténtica pérdida de tiempo, ejemplificada en otro maravilloso gag con Toulouse-Lautrec, Degas y Gauguin como protagonistas.

El mérito de Luis Buñuel con su película El ángel exterminador es que se le ocurriera una premisa tan original y desconcertante para mostrar una teoría sobre el ser humano, pero también que la expusiese con tal sobriedad y naturalidad. Logra que el espectador no se pregunte nunca: "¿Y por qué no pueden salir de la habitación?". Con la desmitificadora Midnight in Paris, y con su chiste maestro acerca de la película de Buñuel inmerso en ella, Allen está repitiendo la jugada: es la sencillez del genio.

Cars 2, The Beaver, The Tempest, También la Lluvia.

Secuela de la exitosa Cars. No hay que decir mucho, salvo que se trata casi casi del spin-off de Mate. Divertida, hasta ahi. Digamos que es un resbalón de Pixar. Eso si, los carritos en anime son la onda!!

DIR. JULIE TAYMOR. USA/2011

La directora de Frida y Titus, trae de nuevo una adaptación de Shakespeare. Salvo el concepto, los fectos, el diseño de arte, que de verdad son espectaculares, la cinta nomas no cuaja. Helen Mirren Bien.

DIR. ICÍAN BOLLAÍN. ESP/2011

Cinta con dos de histriones del cine latino: Gael García y Luis Tosar. La cinta es muy buena en terninos de contruccion de la narración que de pronto, la película que se esta filmando dentro de la misma cinta, resulta ser un refleho casi tácito de la conquista española.  Destaca Tosar, que claro se come a Bernal. 

DIR. JODIE FOSTER. USA/2011

Jodie Foster no sólo se ha ganado respeto como actriz, también lo ha logrado como directora. Sus sintas siempre tocan ciertos tópicos incómodos ya sean dentro de una familia (Feriados en Familia) o muy interiores, como lo es The Beaver, una cinta muy bien dirigida, donde Mel Gibson destaca por dar una de las mejores actuaciones de su carrera, al interpretar a un hombre decepcionado de su vida, decepcionado de sí hasta el borde de la depresión que lo atomiza en su interior.  Es una cinta culera, dura, que ataca en la yugular y cuestiona ciertos patrones sociales. Dura, de ninguna manera es una comedia... o si, si lo es para quienes tenemos cierta ironía. A ver si falta!

Winter´s Bone

Winter´s Bone. Dir. Debra Ganik. USA/2010

la segunda película de Debra Granik aúna dos vertientes contrapuestas, es a la vez un western moderno y femenino, a la vez, un filme policíaco con el crack como telón de fondo. Su protagonista -una prometedora Jennifer Lawrence- es una hermana (y casi madre) que busca a su padre por los arbolados territorios del sur de Estados Unidos, de esa meseta de Ozark infestada de clanes familiares con  tradiciones firmemente arraigadas y laboratorios de metanfetamina caseros.

No estamos ante una película denuncia, ni que intente lanzar un mensaje aparente. Con “Winter’s Bone” -y he aquí su gran punto a favor- nos encontramos ante una historia dura, marginal, y terriblemente realista, que no busca otra cosa que contar una historia desde el minimalismo más absoluto, huyendo en todo momento de alardes técnicos y ensalce de sentimentalismos gratuitos.

Una película sincera hasta los huesos pero poética en el fondo, que no busca la lágrima fácil. Solamente un rayo de esperanza ilumina esta áspera película, un desenlace que para nada es condescendiente con público y crítica sino veraz, necesario, y acompañado por las notas de ese banjo que supone un soplo de aire fresco en más de una secuencia. 

Puede que haya espectadores a los que les parezca demasiado distante. Su retrato de esa América suburbial y superviviente, que debe enrolarse en el ejército o cocinar crack para sacar adelante a su familia en medio de un ambiente hostil que impone la propia ley de rifle en mano, puede hacerse demasiado lejana para el espectador de nuestro país.

Pero la pobreza es pobreza aquí y en gringolandia, y justo eso es un matiz de la cinta: la pobreza de alma, la noción de sobrevivencia que desgarra y es visceral. 

A VER SIN FALTA.

X-Men: First Class

X MEN: FIRST CLASS. DIR. MATTHEW  VAUGHN. USA/2011

Para beneplácito de todos los fan de la franquicia X-MEN, llega esta precuela dirigida por el director de Kick-Ass, quien dota de cierta versátilidad y de una visión mucho más juvenil a la cinta que se suma a la saga.

La cinta que narra los inicios de X-Men, la relación entre Charles Xavier y su entonces amigo y colega Magneto en su lucha contra el Hellfire Club, su enfrentamiento contra la humanidad que los aborrece y que detona la separación irreconciliable entre Charles y Magneto. 

Vaughn, si bien lo alcanza el nivel de calidad narrativa de Singer, dota de mucha vitalidad a la saga después del bodrio que resultó Wolverine. X-Men:Origenes. Además tiene muchos guiños al comic setentero, como los trajes amarillos, el casco de Magneto con la luna invertida, y si, quizá lo que moleste al fan geek mal pedo enfermo, sea las libertades en la historia.

Sin duda, la cinta es de Bacon y Fassbinder (Sebastian Shaw y Magneto, respectivamente) quienes se llevan la cinta. 

MUY BUENA, A VER SIN FALTA. 

Source Code.

SOURCE CODE. DIR. DUNCAN JONES. USA/2011

El hijo de David Bowie, Duncan Jones (The Moon), da el salto del cine indie a los blockbusters de verano con su recién cinta Source Code, que el pésimo nombre en español de 8 minutos antes de morir...jajajaja.

En fin, la cinta versa sobre un capitán (jake gyllenhaal) quién despierta en una cápsula, manipulada por el gobierno, que lo obliga a tener regresiones por 8 minutos, en la vida un hombre que recién murió. Su misión es descubrir porque murió y quién lo mató.

Ajá...suena muy jalado, sin embargo Jones sabe jugar muy bien con la onda de los tiempos,y construye un relato interesante, pero nada novedoso, sobre las realidades paralelas, esos pequeños errores de la física cuántica.

Recomendable.

Submarino

SUBMARINO. DIR. THOMAS VINTERBERG. SUE/2011

Una chingonería!! La nueva cinta del director de ¡Viva el Rey!, y cada vez mas alejado del movimiento Dogma que fundó con Lars Von Trier, nos presenta un intenso retrato de la supervivencia de dos hermanos que quedan marcados por una tragedia en la infancia.

La película que se estructura en cuatro tiempos, nos muestra primero el inmenso dolor que vive el mayor de ellos, quien ha llevado su vida por la violencia y el desmadre, un tipo rudo que se castiga , y sólo sabe estar a la defensiva, pero con un corazón tan grande como su fuerza o cuerpo. 

La cámara  voltea entonces hacia el hermano menor que debe lidiar con su drogadicción y con la enorme responsabilidad de sacar adelante a su hijo para quien es natural que no haya comida o su papá se droge.

No sé porque todo mundo afirma que Submarino es un intenso drama que blablabla...a me me resultó una historia muy visceral, entrañable, de huevos, conmovedora, disfrutable y hasta romántica pero nada cursi. 

Es al fin, la historia de los sentimientos  de dos hombres que no se perdonan así mismos, del dolor en el alma desde la virilidad o la masculinidad, de la familia rota, de los lazos que se añoran, de la vida que se perdió. 

Vinterberg  estructura la cinta de forma muy inteligente, casi perfecta, con un guión que destaca por su dualidad entre  la fuerza del dolor-pérdida, y la posibilidad de la redención a través del perdón... pero cuando todo parece que tiene una salida, la vida les (nos) escupé en la cara, y les muestra que es culera. La vida aprieta demasiado. 

ENORME CINTA!! 

The Hangover II

THE HANGOVER II. DIR. TODD PHILLIPS. USA/2011

La continuación de la éxitosa y hasta nominada The Hangover, repite la fórmula y se siente gastada. 

Los personajes han perdido frecura, chispa, más bien desesperan. Resultan ya caricaturas de lo presentado en la primer parte. La histora básicamente es lo mismo que la primera, solo que en Bankok. No es de negar que si resulta divertida, pero a momentos.... no genera expectativa y es bastante predecible, repito, gracias a la terquedad  y cerrazón de recurrir a los mismos elementos narrativos, a la misma historia, la misma trama, lo mismo otra vez. CON RESERVAS.

Movies: Rabbit Hole, Piratas4, Milenium saga, etc.

RABBIT HOLE.DIR. JOHN CAMERON MITCHELL. USA. 2010

John Cameron -quien despertó polémica con su gloriada cinta Shortbus- presenta Rabbit Hole, una cinta basada en el texto del nombre con una gran Nicole Kidman. La cinta versa sobre como un matrimonio debe lidiar emocionalmente con la pérdida de su hijo, y lo que conlleva: las terapias grupales de autoayuda que son un mera farsa del dolor compartido, teatralizado, la expiación de la culpa y los gritos mudos en el alma (una escena de la Kidman ENORME)

Cameron entrega una cinta muy inteligente, ya que no recae en los sentimentalismos, sino en el retrato de una familia, que desde su trinchera,  intenta seguir con su vida coja. El director justo enmudece las escenas de dolor y las ve en cámara lenta;  el sollozo, el llanto, lo proporcionan los espectadores, pero de igual forma, sin emitirlos. Es una cinta sobre el dolor y el sentimiento de saparatidad cuando se viven introyectos, que están atrapados, como una bola de pelos, en el esófago. Es Kidman quien sostiene la cinta, con un personaje memorable, respetable. Creo que después de Dogville (su mejor papel en toda su mísera carrera) demuestra que es una buena actriz, además que tiene diálogos llenos de cinismo, irónia, muestra de un ser que sólo sabe estar a la defensiva. EXCELENTE.

LES AMOURS IMAGINAIRES.DIR. XAVIER DOLAN. FRAN, 2010.

Los amores imaginarios, del joven director Xavier Dolan, se centra en la confusión de sentimientos de una pareja de amigos interesados por un joven que parece no decidirse por una u otra tendencia y se deja llevar por el juego de la seducción. Los esfuerzos de ambos amigos por atraer al joven van desde lo ridículo a lo heroico y la sexualidad, un pretexto para reflexionar sobre el futuro, la amistad y el amor.

El universo puede ser pop, la vida llena de colores pero las dudas de los protagonistas son grises o negras. La película inserta monólogos de jóvenes, como en un falso documental, que hablan de sus frustraciones, sus miedos y sus inquietudes. Y como eco la historia de la búsqueda del amor y sus sustitutivos. Xavier Dolan, que además interpreta el papel protagonista, no olvida el humor cínico u ofensivo y el público no puede retener una sonrisa amarga al escuchar alguna frase del guión como cuando, tras hacer el amor, Xavier Dolan pregunta a su compañero si está enamorado de alguien en ese momento.

La cámara nerviosa utiliza rápidos zoom y contra zoom. La escenas de amor, o más bien sexo, están filmadas con filtros azules, rosas, verdes… todo en technicolor. Imágenes a cámara lenta con vestuario vintage y música retro, luz artificial y exteriores bucólicos. Les amours imaginaires posee el ritmo, la calidad de escritura y la dosis perfecta de irreverencia. Bajénse el Soundtrack, que realmente es muy bueno. RECOMENDABLE.

VIL ROMANCE. DIR. JOSE CAMPUSANO, ARG. 2008.

Vil romance narra la peculiar relación entre dos hombres: Roberto, un joven homosexual que no tiene trabajo, y Raúl que, con poco más de 40 años, vende armas y simula ser heterosexual. Un día Roberto ve a Raúl por la calle y empieza a seguirle. Raúl se sienta en una plaza a leer el periódico, Roberto se acerca y de ahí surge una historiade sexo y violencia con mucho realismo.

El joven e inexperto Roberto acepta la invitación de Raúl para convivir con él en su casa de Buenos Aires, pero lo que parecía una maravilla y su salvación se convierte en una cárcel. Raúl es celoso, y se deja llevar por esos celos, comenzando una espiral de maltrato, crimen y traición de la que resulta muy difícil salir.

La película se inspira en el cuento del francés Gustave Flaubert, aunque se le han hecho modificaciones al guión para adaptarlo a nuestros tiempos, para lo que el director se ha basado en las experiencias de dos personas allegadas a él que vivieron situaciones similares.

Interesante y bien llevada en su primera parte. Lástima que para la segunda mitad, se vuelva un drama convencional, donde el final estilo "Mujeres Asesinas" resulta ser la supuesta gran salida a este drama. REGULAR.

MILLENIUM 2 Y 3. DIR. DANIEL ALFREDSON. SUECIA, 2008 Y 2009.

Sólo diré que la segunda parte de esta trología basada en los textos homónimos, es una maravilla. Ágil, dura, emocionante, agarra otro ritmo con este director. Sin embargo la tercera parte, es de hueva. Lo lamentable es la minimización de Lizbeth Salander, uno de los personajes literarios más memorables de la última década. Un antihéroe, que sobrevive por la venganza, la soledad y el trauma, queda resumido a una mera chica "dura", despojando a la Salander de todo su bagaje y peso literario. RECOMENDABLES.

PIRATES OF THE CARIBBEAN: ON STRANGER TIDES. DIR. ROB MARCHALL. USA/2011.

Continuando con esta franquicia bastante redituable, Rob Marshal (Chicago) entra al quite. La película no resulta nada mala, de hecho, en su género es buena y sumamente divertida. Mucho de esto se debe al carisma de Dee, que ha hecho de Jack Sparrow un personaje entrañable y memorable. Sumado a ello, es el gran cuadro de actores, donde Pé, logra chispa con Deep (bueno desde Inhala). Palomera, y si, divertida. RECOMENDABLE.

PELIS del MES!!!

RED RIDDING HOOD.  Catherine Hardwicke. USA, 2010
La chica de la capa roja, es una reversión del clásico Caperuza Roja, mal llevado, tergiversado. Resulta un melodrama barato y estúpido muy teen, al estilo Mierdúsculo, digo Crepúsculo. ASCO.

FA5T & FURIOU5. JUSTIN LIN. USA/2010
Rápidos y Furiosos, resulta ser buena en su género. Reuniendo al elenco original (cuándo fue otro?) la cinta tiene buenos efectos, acción en justa dosis, y un trama un tanto más creíble, aunque sigue siendo jalada. Divertida, amena, punto.

THOR. KENNETH BRANAGH. USA/2010

Sorprendente me resultó esta adaptación del cómic del héroe nórdico.Este Dios que pelea por la humanidad, debe enfrentarse a su propia ambición y carácter déspota que lo aleja de las virtudes de un verdadero héroe. Castigado por el supremo Odín es desterrado a la tierra donde los mundanos le enseñaran la fortaleza que hay en la sencillez, la solidaridad, bla, bla, y si el amor, que es Natalie Portman quen se "come" literal y sexualmente a este Dios de Asgard. 

Fuera de eso, es un drama con tintes shakespiarianos, muy bien resultos por el experto en este género de las intrigas reales, la dinámica de la vida de las cortes, etc, etc, el veterano director ya cor inglés Kenneth Brannagh, quien resuelve con dignidad la adaptación de un cómic que se antojaba difícil. Mucha acción, buenos efectos, buena dirección, y los actores en su punto. A ver sin falta. 

Río

 RIO. DIR. CARLO SALDANHA. (Río. USA/2011)

La nueva cinta de Carlos Saldahna (Ice Age 3) es un mero pretexto para hacer un homenaje a Río de Janeiro. Con una trama predecible, no por ello entretenida, Saldanaha echa mano de todos los recursos e iconos emblemáticos brasileños para mostrarnos a esta ciudad.

Blue es un guacamayo azul único en su especie que debe viajar a Río de Janeiro para encontrarse con la Perla, otra guacamaya azul y perpetuar la especie. Con los habituales conflictos de una comedia infantil, la cinta tiene momentos muy graciosos.

Vale la pena por la increíble animación de las aves, la ciudad de Río, y claro y mais que nada, por la increíble música de ese monstruo de talento musical, Sergio Mendes, quien literalmente, toma la musicalización de esta cinta como una carta de amor a Río.

Palomera.

Scream 4

SCREAM 4. DIR. WES CRAVEN (USA. 2011)

11 años exactamente ha pasado de aquellos 10 minutos que marcaron la historia del cine y que revitalizaron el terror  y que a su vez, fue la muerte -MAGISTRAL- de Drew Barrymore en pantalla, la reivindicación del slasher de los años 90. 

La saga contínua para las nuevas generaciones a quienes Wes Craven introduce en esta cuarta entrega. De nuevo Sid Prescott, la eterna sobreviviente (más grande que Linda Blair, Jamie Lee Curtis o Mia Farrow -la misma cinta se mofa de este atrevimiento/referencia) tendrá que enfrentarse con el asesino Ghostface quien se ha modernizado, y se ha adaptado a la iGeneration, por lo que en esta onda de la web 2.0, él es quien ahora produce los contenidos: graba sus asesinatos, esto es, Ghostface hace la película.  Más iLikes, más fans.

La historia versa sobre el regreso de Sidney a Woodsboro, que coincide con una nueva serie de muertes idénticas, atribuidas a un descuartizador que sigue la tradición del disfraz negro y la máscara blanca. Esta ola de matanza sólo puede ser buena noticia para Gale Weathers (Courteney Cox), la reportera de televisión que alcanzó la fama resolviendo los crímenes de Ghostface, también escribió un libro y justo ahora está corta de inspiración para escribir otro. Gale se siente capaz de volver a encontrar al asesino. Sabe que para rastraerlo y conocer sus reglas es cuestión de revisar la actual fórmula en el cine de descuartizadores.

El guión es ingenioso ya que se refiere a si mismo, y mejor áun esta plagado de guiños y bromas a la trilogía que le precede. Sin embargo, el guión eje de la cinta funciona por la mera nostalgia de quienes disfritamos del género y ansiabamos ver a la pobre Sid, la astuta Gale y el inepto Dewey en acción again. 

Inteligente también resulta la crítica a los medios de comunicación modernos, que en busca de rating subliman la violencia real –televisando linchamientos, persecuciones o ensalzando asesinatos–, en tanto que condenan historias de ficción cinematográfica, siendo que el verdadero cáncer surge de la sociedad misma y no del cine. 

En suma, Crave y Williamson vuelve a entregar una cinta con grandes dosis de autoreferencias, que como la primer entrega, es una entretenida revisión del género. Sienta las bases para lo que podía ser una nueva trilogía. Aunque...justo podría decirse que Craven cierra su historia justo como empieza. 

No hay razón para no verla.  Yo la disfruté como sacerdote a infante.

Sucker Punch, Woody Allen y más.

DIR. ZACK ZYNDER. USA 2011. UNA OBRA MAESTRA. ZYNDER CREA UNA ESPECIE DE CUENTO DE HADAS POSMODERNO. QUIZÁ EL GUIÓN FALLE A MITAD DE LA CINTA, SIN EMBARGO EL DESPLIEGUE VISUAL Y TÉCNICO, DEJA CLARO DEL POTENCIAL NARRATIVO DE ESTE DIRECTOR. A VER SIN FALTA.

127 HORAS. DIR. DANNY BOYLE. ING/USA 2011. MUY BUENA. BOYLE HECHA MANO DE LOS RECURSOS QUE YA SE HAN VUELTO UN ESTILO DE ESTE DIRECTOR. UN GUIÓN MUY BIEN DESARROLLADO Y LA ACTUACIÓN DE FRANCO VALEN ESTA PELÍCULA. SIN EMBARGO NO LLEGA A LOS NIVELES DE MILLONARIOS, SLUMDOG MILLIONARIE O LIFE LESS ORDINARY. RECOMENDABLE.

BALADA TRISTE DE TROMPETA. DIR. ALEX DE LA IGLESIA. ESPAÑA 2011. ESTA PELÍCULA O SE AMA O SE ODIA. DE LA IGLESIA EXAGERA CON EL TONO DE LO GROSTESCO-GORE-VULGAR, Y ES JUTO ESO, QUE FOTOGRAFIADO HERMOSAMENTE MANTIENE, LA CINTA. EL GUIÓN DESGRACIADAMENTE ES PÉSIMO Y VOLÁTIL.  SIN EMBARGO TIENE CIERTOS MOMENTOS DE ANTOLOGÍA QUE VALE MUCHO LA PENA REVISAR.

BATALLA: LOS ÁNGELES. DIR. JONATHAN LIEBESMAN. USA. 2011. CINTA FACILONA, SIMPLE QUE TIENE COMO "NOVEDAD" EL SER FILMADA COMO FALSO DOCUMENTAL. DESGRACIADAMENTE CAE EN EL CLICHÉ DE LOS GRINGOS PUEDEN TODO, DEL TÍPICO HÉREO REDIMIDO Y UN FUTURO SOLEADO SE ASOMA EN EL HORIZONTE ANGELINO CUANDO SABEN COMO COMBATIR A LOS ALIENS INVASORES. ESO SI, LOS FX DE POCAMADRE. PASAR POR ALTO.

LOS CRIMENES DE OXFORD. DIR. ALEX DE LA IGLESIA. ING/ESP. 2010. CINTA SALE TOTALMENTE DEL UNIVERSO DE ESTE DIRECTOR. SE NOTA QUE SE CUADRA AL TEXTO, QUE RESULTA BIEN LLEVADO. EL ASUNTO ES LA REFERENCIA, COMO ES DE LA IGLESIA, SE PIENSA DE INMEDIATO EN LO ICONOS RECURRENTES DEL DIRECTOR, SIN EMBARGO LA CINTA, QUE NO TIENE NADA, SALVO CIERTAS CARACTERÍSTICAS DE LOS PERSONAJES, RESULTA BIEN REALIZADA. 

NUNCA ME ABANDONES. MARK ROMANEK. USA/ING. 2011. ESTA FÁBULA DE DRAMA-SCIFI ES PROFUNDAMENTE SENCILLA Y MELANCOLICA. BASADA EN EL BEST SELLER DE KAZUO ISHIGURO, LA CINTA DESCANSA PRACTICAMENTE EN CAREY MULLIGAN, QUIEN NARRA SU HISTORIA Y LA DE SUS AMIGOS DESDE SU INFANCIA HASTA EL TERMINO Y CUMPLIMIENTO DE LA VIDA PARA LOS QUE FUERON CREADOS. SI, CIENCIA  FICCIÓN QUE NO RECURRE A LOS EFECTOS ESPECIALES DESLUMBRANTES, ESTÁ MÁS EN EL TONO DE CÓDIGO 46 DE MICHAEL WINTERBOTTOM. RECOMENDABLE.

DIR. BETO GÓMEZ. MEX. 2011. CINTA QUE RECURRE DE NUEVO A LA COMEDIA BARATA, QUE RESULTA YA UNA FÓRMULA EFECTIVA. EN EFECTO ENTRETIENE Y SACA CARCAJADAS, NO POR ELLO DEJA DE SER UNA PORQUERÍA. 

ASI PASA CUANDO SUCEDE. DIR. WOODY ALLEN. USA.2011.  SOBRE DECIR QUE EL TITULO EN ESPAÑOL ES UNA VEZ MÁS, UNA MENTADA DE MADRE. CREO QUE A WOODY LE CAE MUY BIEN DE NUEVO FILMAR EN NY. LA CINTA ES ÁCIDAMENTE DIVERTIDA, INGENIOSA E INTELIGENTE. DE LO MEJOR DE WOODY EN LOS ÚLTIMOS AÑOS.EL GUIÓN ES EXCELSO, LAS ACTUACIONES INCREÍBLES, SALVO LA PARTE FINAL, QUE COJEA UN POCO, LA CINTA ES UNA VERDADERA JOYA.  A VER SIN FALTA.