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lunes, 3 de diciembre de 2012

Moonrise Kingdom: A faire tale!


Anderson crea un fregon cuento infantil con todos los elementos propios del género literario. En este reino la compañía palia la soledad incomprendida de la mente infantil retorcida  por el abandono y el desapego. Musicalizado por Alexandre Desplat y en ensamble actoral de antología. 

Entre varios pretenciosos que ostentan "entender" a Wes Anderson hay unos peores que otros. Aquellos que aseveran desmenuzar la complicada narrativa del autor que en cada entrega da un panoroma artístico-intelectual con referencias claras a la ola... blablabla.

No señores, no. Anderson es un excelente director, y mejor guionista. Moonrise Kingdom no es nada pretenciosa. No se mal viajen, ni le busquen tres pies al gato que tiene ocho. Anderson a creado un excelente cuento infantil. 

Sí, con todos los elementos propios de este género literario, Anderson hace en cine los que Andersen en la literatura. Dos niños incomprendidos en busca de aventuras, ávidos en el fondo de huir de un reino de letargo, soledad y desdeño a sus sueños que alimentan con cuentos fantásticos, ideas retorcidas y el cúmulo de conocimiento para sufrir más y defenderse mejor.

Los protagonistas son acechados por un lobo y un cazador no personificados esta vez en seres concretos, sino en facciones de adultos y niños que, en cada caso, ven en ellos una amenaza, un problema, o, quizás, una esperanza de redención. 

Los propios niños, además de estar embarcados en una aventura vital propia, son también catalizadores de cambios en las vidas de los demás. Y la forma en que eso se narra hace que esos pequeños fugitivos también remuevan algo dentro de nosotros.

Bruce Willis hace mofa de su eterno personaje de policía bueno. Porque esta vez es realmente bueno! Ironía de la vida que la obra maestra de un director indie, tenga como estelar un big star del mainstream hollywoodense, y lo mejor, quizá sea la mejor actuación de Willis en lo que queda de su carrera.

Ed Norton otra vez interpreta a un suejto con algun pedo mental, esta vez el de un patético lider scout aferrado al código del explorador. 

Personajes que el universo de Anderson se normalizan con esa sutileza de excentricidad que los vuelve peligrosamente atractivos y sobre todo memorables.

Ese el Anderson que ilumina, encuadra y fotografía con tal sutileza que parece un extravagante sueño vívido.

A VER SIN FALTA!

jueves, 28 de junio de 2012

Hello Seahorse! Revientan los hipocampos musicales



Después de sus dos exitosas presentaciones en el prestigioso Festival Coachella de este año,  la banda indie alternativa màs importante del país, regresó a los escenarios para deleite de miles de fans que se dieron cita en el Foro Plaza Condesa para dar prueba de lo que será su siguiente producción próxima a publicarse y se presume se llamará Arunima.

En punto de las 8:50 de la noche, con una espectacular estructura de luces y cuatro pantallas de leds en forma de barras al fondo del escenario,  se presentó el grupo que integran Lo Blondo (Denisse Gutiérrez) Oro de Neta (Fernando Burgos), Bonnz! (Gabriel de León) Joe (José Borunda) y el “quinto Seahorse” Héctor Ruiz “Reez” integrante no oficial que ejevuta las percusiones inyectándole  un fuerza en los beat de la banda.

La noche arrancó con un éxito de antaño que hizo reminisencia a los inicios de la banda “Atardecer en Parapent” el cual despertó los recuerdos y la euforia de los presentes. En el stage contaron con dos invitados de lujo: Milo Froideval en los teclados y el enorme Daniel Zlotnik  en el saxofón con quien han colaborado en sus discos anteriores y con quien repiten en este nuevo disco por salir a la venta.

Sorprendió el radical cambio en la imagen de Lo Blondo que luce ahora mucho más delgada, atrás junto con los primeros discos y demos, ha quedado aquella joven de cabello corto, y con mayor peso, para dar paso a la voz de una mujer muy sensual, elegante, alta y con mayor madurez vocal con un estilo muy particular para dominar el escenario.

Los sencillos de sus dos materiales previos fueron los más coreados y cuando se creía que el material de sus inicios parecía haber quedado guardados en un cajón, interpretaron de su primeros hits “Cassette” con una adaptación muy irregular que le quitó todo lo interesante que tenía este melódico tema, más una versión muy particular y a estilo Hello Seahorse! a la cumbia “Que nadie sepa mi sufrir”, la cual muchos cantaron al ser de dominio público.

Los seguidores que se encontraban frente al escenario no pararon de entonar sus canciones o bailar aquellas que tienen más beat como “Bestia” en cuya versión decidieron hacer una pausa para incluir “Del cielo caen” y seguir con el tema de inicio.

Los nuevos temas se lajena del mood introspectivo de su LP “Lejos No Tan lejos” y más bien se vuelcan en frenesí, en energía centrípeta lo que antoja ya escuchar ese material.

La noché cerró con un cúmulo de energía al cerrar con dos de sus grandes canciones como son “Para mi” y “Año quebrado” que literal, reventaron El Plaza Condesa culminando lo que fue un gran show y demostrando porqué Hello Seahorse! Es la banda referencia de la escena musical mexicana.  

Setlist
Atardecer en Parapent

Oso polar

7 días

Arunima

Casa vacía

Que nadie sepa mi sufrir

No te vayas al bosque

Recuerdo

Velo de novia

Bestia
+ Del cielo caen

Buen viaje

Criminal

No es que no te quiera

Cassette

Me has olvidado

Tristes

Luna

Para mi

Año quebrado

miércoles, 27 de junio de 2012

John Mayer: Folk en mood Rocker.




Siempre he defendido el hecho de que John Mayer es una de las talentosas voces maduras de la escena musical norteamericana.

Esto debido a su dicotomía: Por una lado esta el Mayer que emula a James Taylor en una nueva oleda con temas como "Daughters" y "No Such Thing"; por el otro el profundo guitarrista de blues  que bien puede realizar experimentos fantásticos con Jay-Z en el memorable cover de "Sweet Child o' Mine". Sí, Mayer el es folk en mood rocker que lleva candor norteamericano en el garganta.

“Born & Rised” su quinto álbum de estudio es un ejercicio deslumbrante de introspección emocional que se proyecta en música a modo de catarsis entre problemas y diferencias internas. No, no se trata de un disco terriblemente depresivo. Mayer no se asume al mood mainstream, es honesto y desde el folk-rock de pronto sus quejas de vuelven universales, absurdas y por tanto, mofas. 

"Es una mierda ser honesto, y duele ser auténtico", canta en "Shadow Days".

Born and Raised  evoca y se nutre de desiertos emocionales, inspirados en Nash & Young, Allman Brothers y desde luego, innegable la influencia Crsoby, quienes dan la bendición a quien parece ser su sucesor natural acompañándolo en las armonías cual coro griego en “Born & Raised, un track muy personal desde sus primeros acordes.   

¿Es “Born & Raised” el mejor disco de Mayer? Sin duda alguna. Es la culminación de años de duro trabajo. Su álbum más personal y la prueba fehaciente de su enorme talento como compositor, superando a "Continuum" (2006) hasta ahora su trabajo más aclamado. 

Desde entonces la madurez en sus canciones era la insignia Mayer. BORN AND RAISED es el trabajo mas adulto de toda su discografía,  marca un punto de inflexión su la carrera para este artista que ha vendido 12 millones de discos en el mundo, ganado un dote de Grammy y que ha colocado este álbum en No. 1 de ventas en EUA.

Pero ¿Cuál es el secreto? El twist. Mayer da un giro en el estilo desde el eje de la madurez compartiendo un trabajo confesional de la mano del gran Don Was en la producción quien grabó a Mayer justo antes de su terrible operación de garganta, lo cual sin duda alguna aprovecho Was para imprimir ese voz de tono vulnerable en cada track, destacando el alma cesionista  de este cantautor con mucha, pero mucho elegancia para el fok, con actitud rockera. 

Lo que escuchamos en “Born & Raised” es un Clint Eastwood en medio del desierto rascando la guitarra, exorcizando demonios, disparando a quemarropa. 

Las imprescindibles.

"Queen of California", es el track mas divertido del disco. "Buscando la canción que Neil Young tarareaba después de la fiebre del oro de 1971", canta Johan, quizá en homenaje a la ciudad y su mentor. 

Desde luego no puede faltar el track conmovedor. La efusión orquestal de "Age of Worry" invita a que "nos amiguemos con lo que somos". 

El clímax es un track descomunal: "Love Is a Verb", un lento al estilo de "Wonderful Tonight". Es un momento de encuentro entre los dos John, un poco sensiblero, un poco sórdido. Con una mano en el corazón y la otra en tu entrepierna, listo para ir a fondo como él sólo es capaz.


TODOS SOMOS “BI”



REGRESA KEVIN JOHANSEN CON NUEVO DISCO + CONCIERTO A MÉXICO

Con asombrosos sold out en sus presentaciones por Latinoamérica, un programa de televisión y “Bi” su nuevo material, Kevin Johansen regresa lleno de sorpresas a México D.F y Guadalajara cuando se presente en el Lunario del Auditorio Nacional  y el Teatro Estudio Cavaret, este 20 y 26 de octubre a las 21 horas,  respectivamente,.

Uno es músico, el otro dibujante y tienen en común: un pasado en el que debieron que luchar para imponer un estilo.

Se trata de una propuesta novedosa: mientras Johansen interpreta lo mejor de su vasto repertorio de éxitos con su guitarra acústica, Liniers va recreando los sonidos en dibujos sobre una pantalla dispuesta en el escenario. Cada artista va viviendo un poco del arte del otro y Johansen puede dibujar con su voz, mientras Liniers canta con su lápiz.

Con este espectáculo han recorrido exitosamente  todo el Cono Sur de nuestro continente, y en numerosos recitales en España, México, Estados Unidos, y Canadá.

Divertidas, profundas, lúdicas, inteligentes, reflexivas, son algunas de las características con las que se pueden definir su música y sus canciones. 

Un artista de carácter internacional, una banda sólida forjada a lo largo de los años y un gran artista del pincel en un concierto de los más completos que se pueden presenciar, son los mejores argumentos que nos brinda hoy Kevin Johansen +  The Nada & Liniers  este aire fresco en la música del continente. 

“Oops” es el título de un libro muy peculiar porque puede presentarse en concierto. Sus autore son el músico Kevin Johansen y el caricaturista Liniers, ambos llegan al Lunario del Auditorio Nacional este 26 de octubre para presentar un espectáculo audiovisual lleno de música y humor.


CON LO “BI” MUSICAL

Bi', es un disco doble.Uno de los CD's, con raíces mas folklóricas subtitulado 'Jogo (Subtropicalia)' contó con la producción de Javier Tenenbaum y Osqui Amante, quienes realizaron los discos 'Sur O No Sur' y 'City Zen'. El otro CD, es más pop y subtitulado 'Fogo (Pop heart)', cuenta con Tweety Gonzalez, que acompaña a Kevin por primera vez en la producción del material.

A través de la primera parte, Jogo Subtropicalia, queda impreso un fuerte sello folclórico, con una mirada hacia el Uruguay y Brasil. Mientras que en Fogo Pop Heart, prevalece un sonido mas rockero y no faltan canciones en inglés, incluyendo todos temas propios y dos covers: Everybody Knows de Leonard Cohen y Modern Love de David Bowie.

“BI” contó con la participación de: Lila Downs, Rubén Rada, Daniela Mercury, Natalia Lafourcade, Paulinho Moska, Lisandro Aristimuño, Fernando Cabrera y Orquesta El Arranque, entre otros.

En el caso de este último trabajo, “Bi habla de pasados, de orígenes, de incompatibilidades aparentes entre culturas y sobre todo, de personas, que se funden (como en el caso de mis padres, una Argentina y un Yanqui), cuyos retratos de jóvenes fueron reencontrados por mi hermana, Karina, y me pareció la síntesis perfecta para este disco doble” nos confesó Kevin en entrevista.

Simplemente, canciones y músicas de un pasado compartido, fundido y fundado junto a The Nada, la banda que comparte música y vida conmigo desde hace mas de diez años.


sábado, 14 de abril de 2012

Crónicas Rampantes: 12 señales de que nos hacemos viejos.


Agarrarte en el asiento del copiloto.
Descargar los podcast de noticias.
Ordenar la despensa.
Cambiar las cosas a un tuper más pequeño.
Aprovechar las ofertas padrisisimas de Groupalia/Clickonero...werever.
Elegir la comida en la nevera por la fecha de caducidad y no por lo que te apetece.
Disfrutar un concierto...desde las gradas.
Organizar con tus amigos salidas planeadas al cine.
Obsesionarte con las notificaciones de Facebook, los @ de Twitter y manter tu cuenta Ping de Itunes..
Decir «Ten cuidado. Llámame cuando llegues».
Escuchar Universal Stereo.
Jugar Romano.

lunes, 26 de marzo de 2012

Sólo Björk Sabe.


ORGÁNICA, POTENTE Y MULTIMEDIA CANTÓ BJÖRK A LOS DIOSES TOTONACAS.


Tan etérea, como un sueño largamente anhelado, apareció la diosa nórdica de la música experimental, Björk, en el escenario de Cumbre Tajín envuelta en un cielo azul eléctrico y con una copula roja encrespada que incendió a los casi 10 mil asistentes que se dieron cita desde distintas regiones del país, sólo para algún día decir “yo estuve ahí.” 

Fuera de cualquier forma pretenciosa, disfrutar de un show en vivo de la cantante islandesa es, sencillamente, un espectáculo imprescindible, equiparable a aquellos conciertos de antaño, que hoy son leyenda; experiencias que se vuelven referencias en la historia de la música. Y sí, Björk hizo historia la noche del 21 de marzo de 2012.

Björk apareció sobre el escenario en punto de las 21:30 horas envuelta en una horda de gritos y aplausos. Con un imponente órgano victoriano de fondo escenográfico, dos turbinas de Tesla suspendidas en lo alto del stage y varias pantallas a su alrededor, la islandesa se hizo acompañar de un coro compuesto de veinte jóvenes mujeres quienes hicieron espectáculares coros a cada una de las canciones que interpretó Björk.

La euforia colectiva derivó en locura con el primer tema de la noche “Cosmogony” que llenó de fuerza nórdica el ya famoso Parque Temático Cumbre Tajín. La voz de esta talentosa cantautora europea jugaba magistralmente con sus modulaciones de voz que de pronto  remitían a una dulce niña jugando con carroña marina, para dar el salto a una potente vikinga, rapaz, ama del mar que se proyectaba en la pantalla central. 

Sutilmente, al terminar este primer hit, remató con un “Gracias” en español que desató la furia de los miles de espectadores que nos rendimos, sin más, ante la calidad interpretativa y rudeza con la que Björk dominó Tajín.

De pronto, la oscuridad, y de ella salieron los acordes un éxito inigualable “Hunter” el cuál intimidó al mismo Dios Totanaca del Rayo. La multitud embravecida coreó este enorme tema, sólo para dar paso a “Thunderbolt”.

Con “Crystaline” primer single de su más reciente producción “Biophillia”, la también actriz ganadora de la Palma de Oro en Cannes, dejó claro que le era más importante ver nuestros rostros, no las cámaras. Esto no la detuvo y con esta consigna dada entonó “You’ve been Flirting Again.”

Una posesión orgánico-musical ejerció sobre los presentes en la primera parte de su presentación. Canciones que fusionaban sonidos naturales, una voz que se diluía entre agua, hongos, focas muertas, pepinos marinos, rayos eléctricos de turbinas de Tesla, fueron el preámbulo para un éxito que no es lo mismo una vez que se escucha en vivo, “Isobel”,  con la que finalizó esta primera parte. 

Con plena conciencia de lo que había generado, cual niña divertida a causa su malvada travesura, emitió “¿Qué pasa?”, en español para sorpresa de todos que estaban poseídos por el poder de sus canciones, y sirvió de entrada a un segundo bloque totalmente volcánico como su natal Islandia “Virus” y “Joga”, desataron una euforia colectiva sólo equiparable a la danzas totonacas o al grito vikingo.

La noche cayó por completo y “Declare Independence”, marcó el fin de este encuentro extraordinario que dejó pasmados a los espectadores, y quizá también, a la misma Björk que sin decir más desapareció del stage. Quizá las fuerzas dominates del dios Tajín y de diosa musical no se repelaron, tan sólo se respetaron en mutua ofrenda.  A veces, la trascendencia de la música nos lleva a universos tan inexplicables que los mismos dioses se intimidan. Sólo Björk sabe.

Björk Cumbre Tajín Setlist.

Cosmogony 
Hunter 
Thunderbolt 
Hidden Place 
Crystalline 
You've Been Flirting Again 
Isobel 
Virus 
Jóga 
Mouth's Cradle 
Hollow 
Pagan Poetry 
One Day 
Mutual Core 
Pluto 
Náttúra 
Declare Independence

lunes, 19 de marzo de 2012

Confirman ser Jefes y Emperadores del Indie.



Sí, son los jefes y emperadores del indie rock británico. Kaiser Chiefs dejó  satisfechos a los más de mil asistentes que se dieron cita en el Salón José Cuervo de la Ciudad de México la noche del 16 de marzo, en el marco de los festejos por el 9° Aniversario de la estación radiofónica Ibero 90.5 

La banda británica compuesta Ricky Wilson (vocalista), Andrew 'Whitey' White (guitarra), Simon Rix (bajo), Nick 'Peanut' Baines (sintetizador, teclado) y Nick Hodgson (batería) cumplieron la deuda pendiente con sus fans mexicanos después de la cancelación en de su presentación el año pasado planeada para septiembre de 2011, cuando debieron enfrentar uno de los episodios más difíciles de su carrera: el retraso en el lanzamiento de su nuevo material discográfico “The future is medieval”, derivado de la clausura de su compañía Universal Motown.

A razón de ello, el conjunto de Leeds, Inglaterra, decidió no sólo posponer sus presentaciones sino rehacer por completo esta producción discográfica. Sorpresivamente lanzan, sin previo aviso, su cuarta producción a través de su web site poniendo a disposición del público 20 canciones, las cuales pueden ser oídas en un fragmento de un minuto para que los seguidores puedan elegir 10 temas y luego crear su propio arte de la portada.

La banda inglesa también ha dado la posibilidad de que quienes hayan creado su versión de The Future is Medieval puedan compartirlo y ganar 1 libra cada vez que sea descargado por otros fanáticos desde la página.

En entrevista, Rick Wilson  comentó sobre esta estrategia de mercadotecnia ¿Esto es el futuro de la música? “No podemos decir eso. Pero esperamos que pueda ser un catalizador para que otras personas prueben cosas similares.”

El resultado es un excelente disco de indie rock británico que cuajó su estilo y sobre todo, impulsó su carrera al innovar en la estructura de difusión y promoción de una banda sin el respaldo total de una disquera.

Este ejercicio novedoso se suma a los esfuerzos iniciados por Radiohead por democratizar la cultura, romper las intermediaciones comerciales y garantizar, de una forma directa y accesible, la apropiación de productos culturales al público. 

Con esta historia detrás llenaron el stage, dejando claro que los años no pasan en vano. Las importantes experiencias en Glastonbury, las aperturas a Foo Fighters, o la extensa gira mundial de 2010 a 2011 les han dado la fuerza y presencia para imponerse, dominar al escenario y dictar rock, sólo como un kaiser musical puede hacerlo.

El show abrió con el enorme hit “Everyday I Love You Less and Less” que aclaró no sería una  noche de contemplaciones. Siguió otro éxito “Never Miss A Beat” que nos dejó atónitos y eufóricos. Con estos determinantes mandatos acatamos las órdenes de los chiefs para corear “Little Shocks”, “Everything Is Average Nowadays”, y “Good Days Bad Days” para después, sin temor, rendir pleitesía a los emperadores que reventaron el salón con “Modern Way”.

El espectáculo de dos horas de duración dejó enormes satisfacciones. “Listen To Your Head” dio entrada a la segunda mitad del show a la que siguió el himno de este imperio indie, “Ruby”. 

“The Angry Mob”, “Na Na Na Na Naa”, “Starts With Nothing”, “I Predict a Riot” el nuevo sencillo “Kinda Girl You Are”, “Take My Temperature” y  “On The Run” finalizaron esta parte, sólo para anunciar el fin de reinado.

Rick Wilson entonó desde el segundo piso del lugar, “Love's not a competition” que enloqueció y dio entrada al último deseo del káiser “Oh My God” con el que definitivamente cayó este imperio a los pies de sus nobles seguidores… y vicerversa.

sábado, 17 de marzo de 2012

Crónicas Rampantes: Deja Amaury su alme en Lunario



El ganador del Grammy Latino a Mejor Álbum Cantautor 2011, Amaury Gutiérrez, dejó su voz y talento en el escenario del Lunario del Auditorio Nacional el viernes pasado, en el íntimo concierto que ofreció a sus fans y asistentes a este espectáculo, dónde el cubano regresó con un repertorio con lo mejor de su carrera.

La noche abrió con el éxito “Pedazos de mí” que rompió en gritos a los más de 500 espectadores; le seguiría “Dime Corazón” uno de los mejores temas en la carrera de este artista radicado en Miami. Escucharlo es sinónimo de romanticismo, del que duele pero también del que se goza. 

En entrevista, Amaury Gutiérrez comentó sobre aquello que lo inspira. “Creo que lo que es una característica humana, el enamorarte y luego sufrir o al revés. De hecho el romance es doloroso, a veces gusta y gozas, otras veces te destroza. De ahí vienen muchas letras, mucha inspiración. “Dime Corazón” refleja eso: gozas el querer, más no, el no ser correspondido.”

La velada prosiguió con “Remolino” tema que efervesció en el público, le siguieron “Tú no me crees” y “Lo Mejor de Mi Vida”.

Acompañado de cuatro excelentes músicos, tres de ellos cubanos y un mexicano, prosiguió la velada con una inusual interacción con su público, característica que muy pocas veces se puede apreciar en un artista. Afable, sonriente y bromista, Amaury se regaló a los asistentes que se entregaron sin reserva.  Al respecto aseguró que “En México nunca cantas para alguien, cantan contigo”.

“Cómo Duele” y “Nada es para Siempre”, canción que escribió para Luis Fonsi,  cerraron el primer bloque de este concierto al que le siguió un set de boleros que interpretó desde los asientos de los espectadores, lo que llenó de romanticismo el Lunario.

Rescatando viejos boleros Amaury interpretó,  acompañado sólo al piano, “Mi Mejor Canción”, de José Antonio Méndez, para dar paso a un excelente tema “Ya No Me Quieres” de la mexicana María Griver a la que calificó como “La mejor compositora que ha dado México”.

De vuelta en el escenario nos presentó su sorpresa de la noche. Generando expectativa invitó al escenario al compositor español Antonio Orozco con quién interpretó el tema “Se Me Escapa el Alma” el cual grabaron juntos para la última producción de Amaury, “Sesiones Íntimas”, por la que ganó el Grammy.

Al preguntarle sobre la trascendencia de este importante galardón en su carrera Amaury aseguró “Me alegré demasiado porque este disco tiene canciones que había escrito hace tiempo. Más que premiar, creo que me sentí mejor cuando ese Grammy significó el apreció y valor a mi trabajo. Letras y música a las que les puse el alma”.

La noche cerró con los temas “No existe", "Camino", "Perdóname", así como "Yo sé que es mentira" que fueron inmediatamente coreados por los asistentes que esperaban ansiosos la interpretación de estos grandes éxitos. De esta forma, Amaury se reencontró con el público mexicano que salió fascinado de esta velada romántica.

miércoles, 7 de marzo de 2012

Arándanos Maduros?



Con ansía y muchas expectativas, quiénes nos asumimos como fans de The Cranberries esperamos por mucho tiempo, -11 años- a que se decidieran volver. 

 "Wake Up And Smell The Coffee" fue el último disco que nos dejaron antes de su separación; un disco que decepcionó pese a tener tener algún que otro tema salvable; carecía de la fuerza y la originalidad de sus producciones anteriores.

Este año llega su 6to álbum, "Roses". Un álbum que tomó bastante tiempo de descanso para la banda, quienes han explorado otros caminos, han materializado sus aspiraciones o han fracasado en ellas. Con todo ese tiempo de maduración y añejamiento "Roses" resulta ser la segunda parte de aquel criticado último producto, el problema: es bastante pretencioso.  

Emulan un ritmo y sonido propio de una "banda madura", Dolores y Nolan justo han continuado lo que dejaron pendiente en aquel disco último; honestamente nos han vendido los B-Sides  del "Wake Up..." en lugar de rescatar el mood rocker que los hizo llenar estadios. 

The Cranberries es por mucho, la banda que pautó los hits guitarreros de quienes ahora somos "adultos contemporáneos" por ello que su regreso estuvise cargado no sólo de cierta añoranza o nostalgia por el pasado, sino por un ansía de retonar a aquella potencia musical que ellos definieron en la década de los 90.

Si esperan encontrar aquellos temas con compromiso y propuetsa que The Cranberries trataban cuando mostraban al mundo su cara más rocker, olvídenlo.

Independientemente de eso, "Roses" parace no tener un rumbo o dirección clara, deambula entre sonidos meláncolicos, como de hueva, de flojera, que de pronto se autosabotea y emiten algún signo automotivacional efímero. 

La madurez para ellos parece ser más bien la perdida de la agresividad y las inquietudes de la juventud, para convertirlas en sosiego y tranquilidad, una parte de ellos que siempre hemos conocido, pero que nunca fue la más importante.

Sobre la potencia de antaño, sólo queda un vacío que no llena ninguno de los tracks de "Roses" y es que al final, ningin tema en ese estilo que también les conocemos, resulta entrañable. Ninguno, después de 11 años, tiene el encanto  de   ‘Dreams’ o ‘Linger’ temas llenos de un carisma que aquí brilla por su ausencia, y lo poco apreciable en ese sentido, aparece en el primer tema, ‘Conduct’, para ir desinflándose poco a poco a medida que avanzan las canciones.

Este es también un álbum mucho menos eléctrico que los anteriores, y es ahí donde The Cranberries juegan su mejor baza, con ese sonido más acústico, en el que siempre se han encontrado más cómodos. De nuevo vuelven a hacer gala de sus orígenes gaélicos, que quedan patentes tanto en la instrumentación (familiar, una vez más, a todos los seguidores de siempre), como en la peculiar pronunciación y gramática de Dolores.

En un álbum que no contiene ni un single claro, ni un gancho comercial como si tuvieron los anteriores, The Cranberries han preferido comenzar poniendo toda la carne en el asador, con ‘Conduct’ y ‘Tomorrow’, los dos cortes de un sonido más asociable a ellos y los que destacan por encima de la media, lo cual añade el problema de que el resto del tracklist se convierta en una cuesta abajo por la pendiente de la superfluidad, que termina en la “tothefaithfuldepartediana” por temática ‘Roses’, una canción acústica, desnuda, dedicada al padre de Dolores, fallecido hace unos años que no llega ni a rozar el nivel de los cortes de aquel tercer disco de la banda.

Así que, escuchar este nuevo trabajo de los arándanos, se convierte más en una búsqueda de lo que no encontraremos en él, que en disfrutar un disco que por muchas oportunidades que le demos, se obstina en no crecer.

Esta es la realidad banda contempo, "Roses" no te será ningún mal trago. Llegarás a escucharlo de principio a fin, como un disco más de la banda, pero tras unas cuantas escuchas te darás cuenta de que, aún tratando de mostrarse más maduros, no lo consiguen y su trabajo se convierte en algo vacuo que pronto habrá sido olvidado, mientras seguimos escuchando, una y otra vez el omnipresente ‘Zombie‘ de siempre. 

Roses, tracklist
01. Conduct
02. Tomorrow
03. Fire & Soul
04. Raining In My Heart
05. Losing My Mind
06. Schizophrenic Playboys
07. Waiting In Walthamstow
08. Show Me
09. Astral Projections
10. So Good
11. Roses

Link Descarga:
http://bajatodo.net/descargar-1002700/the-cranberries-roses-itunes-deluxe-edition-2012


miércoles, 28 de diciembre de 2011

Expo Marilyn Manson / Ron Mueck

La expo de Mueck la neta no me impresionó.
Me dan más curiosidad las botargas gigantes de plástico de la Feria de Chapultepec.
Pero la de Manson, uff, rebuena! 
Me agrado bastante. De hecho superó mis expectativas. Yo supuse que vería cuadros lúgubres, muy ad hoc a su estilo. Lo contrario. Manson manifiesta su intención por la miseria de alma y cuerpo, la decrepitud moral, y todos estos temás que en la música ya conocemos, pero con acuarelas. 
Es decir, no es un artista atascado, pensé que iba a ver una expo de cuadros oscuros, negros, casi llegando al gore. Nada, es de una sutileza increíble, muy limpia, la acuarela es de una técnica muy luminosa. Yo creo por eso le gusta. Iluminar la decadencia. Sus cuadros, neta, transmiten esa depresion moral, ese estado anímico decrepito, que viene de lo moral, los miedos y las obsesiones humanas. Me agrado demasiado. 




RON MUECK











THE PATH OF MISERY-MARILYN MANSON.

Desde el pasado 4 de noviembre y hasta el próximo 5 de febrero, el Antiguo Colegio de San Ildefonso presenta una inusual exposición que recorre la obra pictórica de uno de los personajes más extravagantes de la música norteamericana: Marilyn Manson. A través de un recorrido por más de 30 acuarelas realizadas entre 1999 y 2008, San Ildefonso explora una faceta poco conocida de este peculiar cantante para quien el arte se ha convertido en una fuente de inspiración. Alejado un momento de su carrera musical, Manson ha dedicado gran parte de su tiempo a realizar piezas que expresan la capacidad de traducir su entorno en imágenes metafóricas de los personajes que conforman su visión del mundo.











domingo, 11 de septiembre de 2011

11/10

Para tirar las torres, para tirar las torres, se necesita un pinche avionzote, ay arriba, arriba... jajajajajajaja.
Y para tirar un hombre, se necesitó todo un ejército, el sufrimiento de un pueblo, y la indiganción del mundo: Chile- Allende,


Y sufren, y lloron... dramas! Mataron más en Irak,Corea, Vietnam, Afganistán, Guatemala, El Salvador, etc, etc. Ahh, pero a esos no les levantan mausoleos, verdad? Hipocritas!




miércoles, 29 de junio de 2011

La felicidad productiva.

Ora resulta que son los los optimistas, los más radicales e intolerantes.

Según su paradigma (el cual pregonan cual Atalayas en domingo por la mañana) la cultura de la queja y el señalamiento a la pandemia de mensajes de felicidad productiva,  simplemente no caben. Exilian y confinan al "quejumbroso" al termino de fraccionario motivado por la amargura, disidente de la legitimidad del everytihing IS OK!, rencoroso social, incómodo mamón, vulgar inoportuno.

Existe hoy, una imperante necesidad de ver el mundo desde una perspectiva positiva... demasiado positiva que cae en el más puro apendajamiento sistemático de la psique del contribuyente promedio. 

Hoy polulan -cual ratas o homosexuales fuera del closet- una preocupante cantidad de mensajes, fenómenos mediáticos, posturas, teorías, que buscan capitalizar la felicidad como instrumento de productividad. Es la inserción exacerbada del optimismo: Sonreir aunque seas jodido.

Claro, la vuelta está en discursos de borregada como: Hay que ver el lado bueno, todo pasa por algo, ver oportunidad en la crisis... etc. La irreverencia o la burla a estos modelos de inserción productiva resultan impertinentes ante un esquema comodino y funcional para sobre llevar la vida. 

La queja como tal, es devaluada a un mero atentando moral porque cuestiona y devela la mezquindad y condición de miseria intelectual, de criterio y responsabilidad de quienes la operan. 

Pareciera que en el consorcio universal, es la noción de felicidad la que potencia las facultades y la oportunidades del sujeto. Los ejemplos están ahi, sólo basta verlos en los medios, en los mensajes de gobierno, en la publicidad, pero sobre todo en los operadores que van por la calle ahora, en una especie de happening "motivando" al sujeto promedio a sonreir. "Ten cabida en este mundo, sonrie!!".

Sonreir hoy, ser feliz es imperante. Más que una facultad, un gusto, un ejercicio catártico,  es una amenza sistemática de inserción a la productividad. Sonrie o muere. 

lunes, 23 de mayo de 2011

Internacionalizar el Desempleo.

En España ya se amotinó la gente desempleada, logrando un frente social y político de exigencia, de presencia real de la pobreza, la falta de financiamiento a las ideas y oferta laboral.

Jovénes, adultos, niños, socialistas, demócratas, mataputos, ensalsa jotos, ejecutivos, autoempleadores, bla, bla, con poquito han internacionalizado el desempleo desde lo social, no lo institucional. No son las cifras oficiales o de consultorías las que dan cuenta de que tan grave o profunda resulta el desempleo, es la población misma la que esta dando cuenta de este poroblema, porque la siente y padece cotidianamente.

El movimiento no solo ha conglomerado diversos sectores, sino ha logrado atraer a aquellos que no viven el desempleo. Este problema en España, como en el resto del mundo es una incertidumbre constante con la que el sistema, no sólo controla, regula a las fuerzas productivas. 

Esta sola idea "en que momento puedo quedar desempleado" ha capitalizado al movimiento a esferas de lo politico. Es el desempleado un actor político, una fuerza política? Sin duda alguna. 


México, es uno de los países latinos dentro del ranking de desempleo a nivel regional. Este problema, al igual que en España, se palpa en los bolsillos y los intestinos.

 HAGAMOS ECO!!! Porque todos, alguna vez, hemos estado sin un quinto o sin la certidumbre de un empleo estable, o porque quizá algún día podamos estarlo.

domingo, 23 de enero de 2011

México 200 años: Exposición

Muy institucional? Efectivamente. 

Un mausoleo a la historia de bronce, oficialista en Palacio Nacional. Empero, vale la pena darse la vuelta no tanto para leer las cédulas exaltadoras de la soberanía y grandeza de líderes y blabla, sino para darse una vuelta por las salas y echarle un vistazo a documentos, piezas, obras que creo será difícil de volver a ver juntos como el Acta original de Independencia, los Sentimientos de la Nación, las partituras de el Himo Nacional, banderas tan antiguas que se deshacen con el aire, cañones, metralletas increíbles, bicicletas, uff, infinidad.

Un plus es recorrer algunos salones de Palacio Nacional que vale la pena. 

Acá pueden bajar el Catálogo Oficial para darse una idea. (Zona de Descargas)
http://www.mx200palacionacional.gob.mx/sitio.php?lang=es





martes, 11 de enero de 2011

Chorando Aprendese: Emilio José.

He aquí otras dos pruebas de que Foehn sigue siendo una de las discográficas más arriesgadas aquí. Mira su impresionante y minoritario catálogo en www.foehnrecords.com. De un lado, el debut de SUMA con Frank Rudow de Manta Ray y la sorprendente y fresca voz de Laura Clark. “IN THE MIDDLE OF SOMEWHERE” contiene una trabajada música electrónica de corte muy orgánico.

De otro lado tenemos el debut doble del líder de Apeiron, banda clave de la casa. Aparece en un triple digipack de lujo con libreto para un disco inspirado en una imaginaria reunión de Elis Regina, Debussy y Marvin Gaye en un pueblo de Galicia allá por el 87. De la fina música brasileña de la primera y de la clásica contemporánea del segundo, hay mucho aquí. Del soul de Marvin, algo menos, pero a cambio tenemos aquí explícita o implícitamente a Brian Wilson, las playas de Copacabana, Liszt, Thelonious Monk, Frank Zappa, Van Dyke Parks, Frank Sinatra, Juan Carlos I, Robert Fripp, Love, Ravel, Wim Mertens, Albert Plá en catalán y en sus comienzos, Orquesta Compostela, Hip-hop y electrónica minimales, Rolling Stones, Gang Starr, Kim Novak, Taiwán, Mikel Laboa, Eduardo Armenteros o The Residents.

Algunos ejemplos: la “Intro” oscial entre Debussy el mejor Wim Mertens. “Samba de Inés”, “Antigua” o “Ti deixáchesme” tiene un indudable aroma brasileño. “Ourense” es una de las cumbres y suena casi a hip hop fantasmal. “Inverno, 6 da tarde” cruza a los más entrañables The Residents con Frank Sinatra. Luego están algunas jugosas colaboraciones como las voces de Edine (The Tramgirl Karaoke Club) en “Queres a alguen?”, la de Silvia Personeni en “Febreiro” o la de Belén en “Vodka” “Ola!” y varias más. Claro, como él dice tener desastrosa voz, cosa que no es verdad. Pero sí es verdad lo que dice su promo. ¡El disco más sorprendente del año! ¡Y en un catálogo que no para de deparar sorpresas agradables, aunque minoritarias, repletas de calidad y pasión!

domingo, 9 de enero de 2011

Museo Memoria y Tolerancia

Museo Memoria y Tolerancia es un espacio que expone algunas de los peores genocidios en la historia de la humanidad. Parte del ya famoso y gastado holocausto hasta el conflicto latente en Sudán, Dafur.

A través de 50 salas (les recomiendo tomar la visita guiada- $15 pesos-) el museo exhibe y documenta las atrocidades y motivaciones de los perpetradores de las grandes matanzas de cientos de miles de personas en todo el mundo. Alemania con el nazismo, Serbios contra Bosnios, Tutsies vs Hutus, el conflicto en Camboya, en Guatemala en los 80, etc. 

Con una muy buena curaduría, el recorrido se hace muy interesante gracias a la buena museografía y al valor de muchos objetos, documentos y gráficos que exhibe. 

Quizá pueda chocar de pronto el tono muy institucional, pues sólo destaca aquellos genocidios que han sido reconocidos internacionalmente como tal, dejando de lado muchos casos avergonzantes (Salvador, Acteal, Chile, Argentina, Saharahui, Chechenia, Palestina, etc, etc., y es que estos son casos "políticos" es decir dervan de una conflicto de intereses nacionales, no es son una cuestión de odio racial o religioso... ahh, chinga!?) 

Recomiendo no exaltarse por el discurso de los guías, que está MUY cargado de juicios de valor, tanto que exaspera, porque al final uno sale odiando a los alemanes, a los serbios, a los hutus... oh, chinagos! no es que TOLERANCIA!, en fin...

El edificio está super bien hecho, y tiene un espectacular cubo suspendido, que resulta ser un memorial con una escultura de cristales que representan, cada cristal, a 100 infantes muertos en genocidio.  No les sorprenda ver alguna lágrima por aquí y allá.

Considero que la basta información sobre Memoria (los genocidios) es tan extensa, que cuando se llega a Tolerancia, se cuenta con tanta información que el objetivo final (la sensibilización y reflexión) se diluye, pues ya lo que quieres es salir!

Vale la pena, pero si deben considerar pasar un buen tiempo. Darse un break después de Memoria y continuar con Tolerancia para cerrar bien. También exhibe una exposici{on sobre los pintores surrealistas en México, que es muy interesante. Chequen el video sobre Edward James con Leonora Carrington. Invaluable. 


Museo Memoria y Tolerancia
Plaza Juárez – Centro Histórico, Ciudad de México
Frente al Hemiciclo a Juárez de la Alameda,
a un costado de la Secretaría de Relaciones Exteriores.
Estamos cerca de los metros: Juárez, Hidalgo y Bellas Artes.

Precios: $55 General. $ 45 estudiantes, INAPAM y Mestros
Guía: $15.

Martes a viernes de 9:00 a 18:00 horas 
Sábados y Domingos de 10:00 a 19:00 horas